ロマンチック時代の音楽の事実：ロマンチックな時代の音楽

ロマンチックな時代の音楽-ロマンチックな時代の音楽の事実

音楽史には6つの主要な期間があります。 これらの異なる時代（時代）は、西洋芸術音楽の進化を表しています。 この記事では、これらの6つの期間の1つとして、ロマンチックな時代の音楽について説明します。 以下は6つすべてのリストです。 それらを時系列で記憶することをお勧めします。

• 中世（800-1400）
• ルネサンス期（1400-1600）
• バロック時代（1600-1750）
• クラシック時代（1750〜1820）
• ロマンチックな期間（1820〜1910年）
• 近代（1910年〜現在）

ロマンチックな時代の音楽は、今日「クラシック音楽」として分類されるものの中で最もよく知られています。 「クラシック音楽」という用語は、今日、ポピュラー音楽やフォークミュージック以外の音楽を指すために使用する「キャッチオール」フレーズです。 6つの音楽期間に慣れていない場合は、この用語をクラシック期間と混同しないでください。

西洋芸術音楽のほとんどの時代と同様に、ロマンチックな時代の作曲家は、その日の政治を中心に音楽を書きました。 世界が変化するにつれ、音楽史におけるこの新しいエキサイティングな時代も変わりました。

ロマンチックな時期と他の時期を分ける特徴。

ロマンチックな時代を考える良い方法は、ステロイドの古典的な時代です！ 以下のリストは、ロマンチックな期間を他の5つの期間から分離する主な特徴の概要を示しています。

• 音楽の自由な形とデザイン。
• 長いメロディー。
• 色調の調和と不協和音の主な用途。
• ダイナミクスとアーティキュレーションのこれまで以上の使用。
• 大きな計装。
• 激しいエネルギーと情熱
• ドラマティックオペラ
• 広範な交響曲
• 芸術と文学に刺激される
• 国有化された構成
• 拡張された音楽ジャンル

中程度のパフォーマンス

ロックコンサートに行けば、ロックバンドが演奏することがわかります。 パフォーマンスの媒体はロックバンドです。 小さなリサイタルホールでマディソンストリングカルテットのパフォーマンスに参加する場合、パフォーマンスの媒体はストリングカルテットになります。

音楽を聴くための前提条件のリストを完成させるために、私たちが聴いているパフォーマンスグループを理解することが重要です。

• 作曲名
• 作曲
• 日付
• 国
• 中程度のパフォーマンス

ロマンチックな時代の音楽の事実

もう一つはどうですか？ ジョージフレデリックヘンデルのメサイアを歌う100人のメンバーのボーカルグループ。 パフォーマンスの媒体はコーラスか合唱団でしょう。 ロマンチック時代の音楽は、室内アンサンブル、交響楽団、合唱団、弦楽オーケストラなど、これらのパフォーマンスメディアの多くを使用していました。

ロマンチックな時代の音楽の要素

ロマンチックな時代の音楽は聴くのに最適です。 音楽の5つの基本要素を通じて音楽を聴くというコンセプトは、私たちが聴いているものを理解するための鍵です。 以下では、これらの各要素を分類して、音楽がどのように構築されているかを認識させます。 さらに、要素を理解することで、音楽で何を聴くかという考え方が生まれます。

リズム

リズムはメロディーとハーモニーに動きを与えるため、最も重要な要素です。 ロマンチックな時代では、作曲家はより複雑なリズムを使用していました。 彼らはかなり頻繁にテンポを変えて、彼らの組成により多くの物質と興奮を与えました。 特定のビートのアクセントは、リズムの一部を強調するために使用されました。

メロディー

しばしば「チューン」と呼ばれるこのメロディーは、「ハム」または「歌う」ことができるものです。 巧みに作られたメロディーは、長い間「頭に残る」力を持っています。 したがって、メロディーは音楽の要素の中で最も記憶に残ると言えるでしょう。

ロマンティック時代のメロディーは長く、不規則なフレーズで構成されていました。 複合音程を使用して、いくつかのメロディーに表現のための幅広い形を与えました。 幅広いダイナミクスとアーティキュレーションを使用して、良いメロディの力を強化しました。 今日覚えているメロディーの多くは、ロマンチックな時代の音楽に由来しています。

メロディーを理解するために使う言葉があります。

• ピッチ-名前が割り当てられた特定の音符。
• 間隔-2つのピッチまたはノート間の距離または間隔。
• 形状—表記法がどのように見え、どのように聞こえるかを示します。 飛躍は大きいですか、小さいですか。
• フレーズ-メロディーは、言語の文のように構成されます。 フレーズと呼ばれる関連する音楽のアイデアで構成されています。
• 方向—メロディの大小の跳躍は垂直に表記されます。 メロディーのリズムは水平に表記されます。

調和

以前に使用されていた伝統的なハーモニーに加えて、ロマンチックな時代の作曲家は、彼らの音楽でより複雑な倍音デバイスを使用しました。 彼らは半音の使用を通じてより多くの不協和音を使用していました。 色彩学は多くの作曲家に人気のある装置でした。

作曲家によるコード構造の拡張により、ロマンティックな音楽に独特のサウンドが与えられました。 主要な変更を頻繁に使用することで、作曲家はモジュレーションと呼ばれるデバイスを通じて音調の中心を変更することができました。

以下は、調和の概念を理解するのに役立ついくつかの単語です。

• 不協和音—緊張感があり、不快である可能性がある2つ以上のサウンドが同時に再生されます。
• 子音—耳に心地よい2つ以上の音が一緒に再生されます。
• コード-同時に演奏される3つ以上のノート。
• トライアド—三音符
• メジャーキーまたはマイナーキー-調音中心

形

音楽の構造設計は、そのフォームと呼ばれます。 最もシンプルなロックバラードから4つの楽章の交響曲まで、すべての音楽には構造があります。 精巧で複雑な音楽ほど、必要な構造も多くなります。 音楽の形は、音楽作品の構造です。 リズム、メロディー、ハーモニーは、作曲家（または編曲者）が楽曲の音楽的アーキテクチャを設計するために使用する主要な要素です。

交響曲は、4つの異なる楽章で構成される大きな構成です。 作曲家は、他のすべての利用可能な要素を利用してこの記念碑的な作品を構築します。

音色

音楽の音色は、さまざまな楽器や声の音を指します。 楽器のさまざまな組み合わせは、特定のアンサンブルの音色に影響を与えます。

ロマンチックな時代のオーケストラは、作曲家が新しいサウンドのために書いていたように、音色の範囲を拡大しました。 計装に追加の計器が追加されていました。

チャイコウスキーを聴こう！

ロマンチック時代のオーケストラ

ロマンチックな時代には、ピアノが更新されました。 それはより大きな音、その範囲を拡張するより大きなキーボードを持っていました。 これは、ロマンチックな時代の大きな変化の1つでした。 最大の変更または更新はオーケストラでした。

クラシック時代のオーケストラは、弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器の4つのセクションで構成される30〜60人のミュージシャンを使用しました。 ロマンチック時代のオーケストラは100人以上のミュージシャンに劇的に成長しました。 これはなぜですか？ すばらしい質問です。あなたが尋ねてよかったです！

ロマンティック時代のオーケストラが1日100名の選手を獲得しただけではなかったことは明らかです。 この段階的な成長は、ルートヴィヒヴァンベートーベンがクラシックスタイルとロマンチックスタイルの重要なリンクであったことから始まりました。 彼の作曲スタイルは常により大きくてドラマティックなサウンドを要求していました。 オーケストラはこれらのセクションのそれぞれに追加し、ウッドウィンズ（コントラバスーン、バスクラリネット、ピッコロ）とブラス（トランペット、ホルンインホルン、トロンボーン、チューバ）のサウンドを拡大し始めました。

ロマンチックな時代に入ると、ベルリオーズ、ワーグナー、チャイコフスキーなどの作曲家が、この巨大なオーケストラで最高の音楽のいくつかを書きました。 彼らはまた、計装の拡張の概念を使用しました。 たとえば、パーカッションセクションでは、より完全な賛辞を使用しました。 例として、スネアドラム、バスドラム、シンバル、ティンパニの基本的なラインナップにパーカッションセクションを追加しました。

本質的に、パーカッションセクションの構成は、各時代の進化する傾向を反映しています。 ハイドンとモーツァルトは、特定のイディオフォン（ベル、ガラガラ、スネアドラム）を時々使用しました。 しかしベートーベンは、バスドラム、クラッシュシンバル、トライアングルをより正確に適用しました。 たとえば、 ビクトリアの戦い （1813年）では、グループをオーケストラの両側に配置された2つのセクションに分割することで、パーカッションの空間的な使用法を開発しました。

リストとパガニーニ—ロマンチックな時代の2つの「ロックスター」。

どんなライブラリにも素晴らしい追加です！

ロマンチックな時代のアメリカ音楽

ロマンチックな時代のアメリカはまだ西洋の世界から学んでいました。 非常に少数ですが、優れた交響楽団が発展しました。 ニューヨークフィルハーモニー（1842）、ボストンシンフォニー（1881）、シカゴシンフォニー（1890）は、米国で最初の主要なオーケストラでした。 アメリカの作曲家は、20世紀まではヨーロッパの作曲家のレベルに達しませんでした。

アメリカでの大きな発展はバンドでした。 アメリカン・バンドは作曲家とジョン・フィリップ・スーサやパトリック・ギルモアのような偉大な指揮者のために非常に人気がありました。 これらのバンドは、パレードやコンサートイベントで大勢の観客を楽しませるために使用された大きなアンサンブルでした。 ヨーロッパではオーケストラが豊富でしたが、アメリカのバンドは急速に成長していました。