指揮者は音楽表現の父
ようこそ—音と静寂は音楽の原材料です
音と沈黙は音楽の基本的な原材料ですそれは落ち着かせ、興奮させ、落ち着かせ、動き、動機づけ、話し、洗練し、説明し、攪拌し、祝い、癒し、つながり、表現し、到達し、そして満足します。 音楽の魂は、音符、パターン、およびリズムの表現力豊かな解釈を通じて解放されます。 音楽は複雑でありながらシンプルでもあります。 音楽はマスターであり、ミュージシャンはその奴隷です。
ミュージシャンは表記法を完璧に読み、脈拍計のリズムと心拍数の範囲内で生活しなければなりません。 音楽の解釈はそれを作成する彼に任されています。 指揮者は音楽表現の「父」であり、オーケストラのミュージシャンに一緒に、大声で、柔らかく、ゆっくりと、速く、開始して停止するように知らせます。 すべてのミュージシャンとボーカリストは、すべてのノートを完璧に演奏する方法を知っているだけでなく、指揮者を表現で追う必要があります。
退屈な音楽には感情がない。 音楽は期待を設定し、それを満たします。 ミュージシャンは、タイミングとラウドネスにわずかなずれを導入することで、作品に感情を吹き込みます。 予想からのあらゆる逸脱は、その後の予想を弱める傾向があり、それにより、さらなる逸脱の影響を弱めます。 テンポの瞬間的な変化は、情緒を帯びます。
すべての感情は否定的または肯定的です。 否定的な感情は、経験が期待を下回ると発生します。 しかし、小さなポジティブな感情的なイベントが連続して発生すると、私たちは幸福感を経験し、一連の小さなネガティブなイベントが発生すると、落ち込んだりイライラしたりします。 音楽がどのように感情を生み出すかがわかります。
ピアノを弾くことは心に平和をもたらす
音楽のロードマップと信号は音楽用語です
音楽は多くの人々の生活の中で中心的な役割を果たしています。 音楽がどのように機能するかについて私たちがより多くの知識を得るほど、それを理解し、あらゆる種類の音楽を楽しむことができます。
音楽家としての理解を深め、音楽自体に対する感情的な反応を高めるために、最もよく使われる音楽用語と定義をいくつか挙げました。
楽器を演奏する人にとって、これらの音楽用語は楽器の言語です。
F音部記号は低音部記号としても知られています
音楽に見られる一般的な用語、定義、および意味
- シーケンス。 異なるピッチでのフレーズの連続的な移調と繰り返し。
- チューン Aメロディー。
- ウナ・コルダ。 ピアノのミュート（またはダンピング）メカニズム。
- 治具。 16世紀に始まった活発なイングリッシュダンス。 ギグになりました。
- ジャズ。 第一次世界大戦直後にアメリカの黒人コミュニティから生まれた、影響力の強い音楽形式で、ブルースやラグタイムを含む多くのスタイルを取り入れています。 商業音楽家に取り上げられて、より広い音楽文化に浸透しました。
もともとは即興性が高く、少数の楽器でしか演奏されなかったこの楽器は、スウィングやビバップなどのいくつかの形式に発展し、ビッグバンドのアンサンブルの形式として人気を博しました。
それは戦間期の作曲家に多大な影響を与え、その多くはジャズのイディオムで書いた。 同様に、ジャズを起源とする多くのミュージシャンは、アートミュージックの中で長続きすることを証明した作品を制作しました。特にジョージガーシュウィンはそうです。
- アカペラ 伴奏なし。
- アレグロ 。 活気があり、速く、明るく、活発です。
- 思いやり 。 情熱的に。
- バイナリ 。 2つのセクションの音楽形式。 AB。
- できること。 合唱、合唱、またはチャント。
- コントラスト o。 最も歌う女性の声。
- 増強。 大きくする、サイズを大きくする。 音楽では、5番目の音は、5番目の音を半音高くします。
ミュージシャンと学生が音楽用語に慣れると、自信が新たなレベルに上がり、音楽はミュージシャンと聴衆の両方に新しい、時には情熱的な感情を帯びます。
ミュージシャンはミュージシャンシップとミュージカルの用語と定義を学ぶ必要があります
すべての音楽愛好家のための標準的な音楽用語のより多くの定義
- ダウンビート—バーの先頭にある最も強いアクセントを持つビート 。
- ダイナミクス—グラデーションのシステムによって示される、音楽の音量または柔らかさ。 最も柔らかいものから最も大きいものまで、これらはpp、p、mp、mf、f、ffです。 両極端は両方向に拡張されています。
- Espressivo —表現力豊か。
- ソプラノ—最も高い女性の声。
- スタッカート—省略および分離されたノート。
- Timbre —楽器、声、またはレジスターのトーン「色」。
- 調号—音楽の各行の先頭にあるシャープまたはフラットで、音楽の調を示します。
- モデラート—適度なテンポ。
- ムーブメント—大きな作品の別のセクション。
- 音楽学—音楽の理論的および歴史的研究
- 中央のC —ほぼピアノキーボードの中心のC（毎秒約262回の振動）。
- リフ—現代のポップソングやジャズ曲で繰り返されるモチーフまたはリフレイン。
- モノトーン—単一ピッチの繰り返し。
- チャント—発話のリズムに似た自由なリズムで神聖なテキストを歌うことのユニゾン。
- クレッシェンド—音量の着実な増加。
- ホールトーンスケール—各ノートがトーン全体の間隔で区切られているスケール。 全音階は1オクターブにつき6度で構成されます。 ポップミュージックに浸透したトーンスケール全体の顕著な例は、スティービーワンダーの1972年の曲「You Are The Sunshine In My Life」のオープニングのバー3と4です。
- メジャーとマイナー—マイナーコードとメジャーコードの本当の違いは3番目です（ 念のために言っておくと、基本的なコードはトニック+ 3番目+ 5番目です ）。 マイナーとメジャーの3分の3は、互いにわずか0.5ステップの距離ですが、この小さな小さな違いにより、特定の曲のパートの感情的な質が劇的に変化します。 このようなことを聞くのが一般的です：
「マイナーサードは和音を悲しくします。 一方、メジャー3分の1はそれを幸せにします。
- MF— Mezzo Forte。 このイタリア語の用語は、中程度の音量を意味します。
なぜ音楽理論を学ぶのか？
ピアノのインストラクターとして、音楽理論を学ぶ学生は次のようなメリットがあることがわかりました。
- 学習プロセスを早めます。 例として、さまざまなキーのスケールの学習があります。 生徒は、音楽の本体の特定の音階を認識します。 彼はスケールを練習したので、すぐに流暢に演奏し、練習時間を節約します。
- 学習間隔。 間隔についての十分な知識があれば、生徒は優れた視覚読解者になります。
- 音楽理論の知識は、より良い給料のギグを得るために不可欠です。
- 理論を知ることは自信を高める。
- 創造的なプロセスは、即興と解釈のために自由に設定されています。
- すべてのよく訓練されたミュージシャンは、理論を知ることに秀でています。
- グループ演奏には、ミュージシャンシップの知識が必要です。
- 音楽の仕組みを理解することは、すべての楽器奏者の基盤です。
さまざまな楽器を使用して音楽を再生する
最終的な考え
ボーカリストを含むすべてのミュージシャンは、彼らが演奏するときに提案された音楽用語に従うという個人的な責任があります。 作曲家は、音楽、テンポ、ダイナミクス、表現の解釈に理由を付けています。 彼は音楽を書き、他の人がその作曲を解釈するのを助けるために音楽的な用語（指示）を追加しました。
音楽の用語と定義を学び続けます。 音楽用語の意味を見つけたら、それを演奏に適用します。 この習慣を取り入れれば、作曲家が意図した方法で傑作を演奏し、リスナーに感情的で満足のいく体験をもたらすでしょう。
雷のような大声で演奏する1つのフレンチホルンを除いて、ベートーヴェンが非常に柔らかいダイナミックで演奏する完全な交響楽団を想像できますか？
もちろん、彼はオーケストラに大音量またはソフト（高速または低速）で演奏するように指示している間、指揮者を監視する必要があります。 オーケストラのリハーサルの主な理由の1つは、すべてのミュージシャンが書かれたダイナミクスと音楽で与えられた音楽用語を確実に守ることです。
アーティストの最終的かつ最も重要な責任は、解釈して作成し、それによって音楽自体に生命を吹き込むことです。
音楽自体は別の言語ですが、その言語は普遍的です。
「メモを与えないでください。 メモの意味を教えてください。」
–パブロカザルス、チェロ奏者
