デューク・エリントンは、ジャズの歴史の中で最大の作曲家およびオーケストラのリーダーとして高く評価されています。 50年以上にわたるキャリアの中で、彼の作曲、編曲、録音は、アメリカのジャズを国際的に有名なアートフォームの地位に導いた。
しかし、デュークは、彼がすべてを自分で成し遂げなかったことを認める最初のものです。 物語の大部分は、エリントンの天才だけでなく、彼の作曲と編曲の28年のパートナーであるビリー・ストレイホーンの才能でもあります。
ストレイホーンとエリントンは1938年に初めて会い、彼らのパートナーシップは1967年にストレイホーンがガンで死ぬまで続きました。その長いコラボレーションの間に、ストレイホーンはアリントンの作曲家、作詞家、ピアニストとして活躍しました。 しかしそれ以上に、ビリー、またはバンドが彼を呼んだ「ストレイズ」は彼自身の才能のある作曲家でした。 エリントンの主題歌「Take the A Train」になった曲を含め、エリントンと彼のオーケストラと密接に関連している何十ものジャズクラシックは、実際にはStrayhornのペンから来ています。 実際、ストレイホーンとデュークは非常に緊密に協力してバンドの素材の構成と配置を調整したため、ほとんどの音楽学者は、自分の影響がどこで終わりどこで始まるかを特定するのが難しいと感じています。
未知の天才
エリントンの音楽家の不可欠な一部としての彼の数十年の間、ビリー・ストレイホーンは一般大衆にはほとんど知られていませんでした。 自然に恥ずかしがり屋の男であり、彼のオープンな同性愛によってさらにそうなったので、ストレイホーンは舞台裏にとどまることにかなり満足していました。 実際、彼はスポットライトを積極的に避けました。 それでも彼の驚異的な才能は、オーケストラのサウンドだけでなく、エリントン自身にも多大な影響を与えました。 デュークは、バンドの音楽の作曲と編曲の対等なパートナーとして、聴衆にストレイホーンを頻繁に宣伝しました。 実際には、エリントンが自由に認めたように、彼らの創造的な関係はそれよりもさらに深く相互依存的でした。
ビリー・ストレイホーンは私の右腕、私の左腕、頭の後ろにあるすべての目、彼の頭の中の私の脳波、そして私の頭の中の彼の脳波でした。
—デューク・エリントン
エリントンは通常、ストレイホーンとのパートナーシップから生まれた音楽の評判を得ていたため、ビリー自身の作曲家としての天才は生涯広く認められていませんでした。 しかし、彼の死以来、エリントン神秘だけでなく、一般的なジャズの世界への彼の貢献に対する感謝が高まっています。 その継続的な再発見の結果として、ストレイホーンは1984年にソングライターの殿堂入りを果たしました。
ストレイホーンとエリントンが一緒になった方法
ビリー・ストレイホーンはオハイオ州デイトンで生まれましたが、ペンシルベニア州ピッツバーグで育ちました。 幼少期にノースカロライナ州ヒルズボローで母親の家族を訪問したとき、教会のオルガニストであるビリーの祖母は彼にピアノを弾くように教えました。 ピッツバーグでは、ストレイホーンはソーダジャークとドラッグストアの配達人として働いて、自分のピアノを購入するためのお金を得、最終的には正式なトレーニングの費用を支払いました。 彼は特にストラヴィンスキー、ドビュッシー、ラヴェルなどの現代古典作曲家の音楽に魅了されました。
彼が高校を卒業する前でさえ、ストレイホーンはすでに作曲していました。 ドラッグストアで配達するとき、自宅にピアノを持っている顧客のために彼自身の作曲のいくつかを演奏することがよくありました。 それは彼に地元で大きな評判をもたらし、彼の顧客や友人の何人かは彼の音楽はより広い聴衆に聞かれる必要があると主張しました。
デュークエリントンが町にやってきたとき、その夢はついに実現しました。 スレイホーンは最初にエリントンが1934年に演奏するのを見たが、2人は当時は会っていなかった。 それでも、公爵は若いミュージシャンに強い印象を与えました。 「私がそれまで生きていなかったように、ステージでエリントンを見たとき、私の内部の何かが変わりました」と、ストレイホーンは後で言うでしょう。
その後、4年後、公爵と彼のオーケストラはスタンリーシアターでのエンゲージメントのためにピッツバーグに戻り、ビリーストレイホーンの人生は永遠に変わりました。 1962年のDownbeat Magazineの Bill Cossへのインタビューで、ストレイホーンは次のように回想しました。
「デューク・エリントンは1938年にピッツバーグに来ました、そして友人は彼との約束を私にもらいました。 私は彼に会いに行って彼のためにいくつかの曲を演奏しました。 彼は私の音楽が好きで、私にバンドに参加してもらいたいと言ったが、ニューヨークに戻って、どうやって私を組織に加えることができるかを見つけなければならないだろうと言った。」
実際、ストレイホーンとデュークとの最初の出会いは、彼の控えめな回想が示唆するよりも幾分劇的でした。 彼は「良い音楽を書いている子供」としてエリントンに紹介されました。 髪を整えたまま目を閉じて楽屋の椅子に横になっていたデュークは、若者に「座って何かをする」ように誘い、ジャズの歴史が作られました。 エリントンは後にその日ストレイホーンが彼に与えた影響を思い出した。
それで、小さな男の子は座って演奏を始め、彼はいくつかの歌詞と男性を歌いました、私は立ち上がっていました。
—デュークエリントンがビリーストレイホーンの演奏を初めて聞いたとき数か月後、ビリーストレイホーンはハーレムのシュガーヒルセクションにあるデュークの家に住んでいて、エリントンバンドのために音楽を書いていました。 それはほぼ30年続くパートナーシップの始まりであり、ジャズの歴史の中で最も重要で思い出に残る音楽のいくつかを生み出しました。
すべての音楽愛好家が知っておくべき10のStrayhorn曲
この記事のタイトルは、ビリー・ストレイホーンの「最高」の10曲について語っています。 もちろん、そのようなリストは純粋に個人的なものであり、それ自体は明らかに議論の余地があります。 だから、誠実さと完全な開示の利益のために、10の最も重要なStrayhorn作曲のこの「マイ」リストと呼びましょう。
いずれの場合も、曲のビデオパフォーマンスには、ストレイホーンがどのように作曲したかに関する背景情報が付随しています。 直接お気に入りの曲にスキップしたい場合は、以下の目次のリンクをクリックしてください。
歌（目次）
1.電車に乗る
2.緑豊かな生活
3.生きるための何か
4.マイリトルブラウンブック
5.花は素敵なもの
6.チェルシーブリッジ
7.パッションフラワー
8.レインチェック
9.血球数
10.蓮の花
1.電車に乗る
デュークエリントンは、ビリーストレイホーンをニューヨークにバンドに参加するように招待したとき、ハーレムのシュガーヒルセクションにあるデュークの家に行く方法をビリーに指示しました。 これらの方向は、伝説的には「A電車に乗る」という言葉から始まりました。この電車は当時、シュガーヒルへの最も直接的なルートである新しい地下鉄路線でした。 話が進むにつれ、新たに採用されたストレイホーンは、彼が作曲家として何ができるかを、それらの数語で歌を作ることによって示すことを決めました。
「Take the A Train」は、エリントンオーケストラの最大のヒットとなり、エリントンが生きている限り、バンドの主題歌になります。 しかし、それは日の目を見ることはほとんどありませんでした。 ストレイホーンはフレッチャーヘンダーソンのアレンジを賞賛し、そのスタイルで「Aトレイン」を作曲しました。 しかし、1941年にバンドが必死に新しい素材を必要としたとき、ストレイホーンは「電車」がヘンダーソンの作品の模倣であるかのように聞こえるのではないかと心配し、歌を捨てました。
それはエリントンの息子マーサーが救出に来たときです。 彼はゴミ箱から音楽を取り出し、バンドはすぐにラジオでそれを演奏し、レコーディングをリリースしました、そして残りは彼らが言うように歴史です。
次のビデオでは、トランペッターレイナンスのソロに特に注意してください。 ナンスの即興演奏はその曲にとって本質的に「正しい」ので、ジャズの慣習とは対照的に、それは後のレコーディングでしばしば音符ごとにコピーされました。
「Take the A Train」は、最初はインストゥルメンタルとしてヒットした。 しかし、すぐに歌詞が提供されました。 ストレイホーン自身がいくつか書いたが、レコーディングにコミットした最初の歌詞はデルタリズムボーイズのリーゲインズによるものだった。 エリントンが最も頻繁に使用した歌詞は、歌手Joya Sherrillによって書かれました。 それは、1942年の映画の次のクリップ「 ビバリーとレヴェイユ」で聞いたものです。 歌手はベティ・ロッシュです。
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2.緑豊かな生活
「Lush Life」は文字通り驚異的な曲です。 そのコード構造と歌詞の両方の観点から、この歌は、いくつかの人気のある作曲が達成した音楽の洗練度のレベルに達しています。
ビリー・ストレイホーンは「ラッシュライフ」を1933年に16歳のときに書き始め、1936年に20歳で書き上げました。しかし、複雑なコードの変更と世界的に疲れた歌詞があるため、現在のことを想像するのは困難です。広く録音されたジャズの基準は、貧困の中で育ち、彼の悩ましい歌詞が語るような経験に個人的にさらされたことのない若者によって生み出されました。
ストレイホーンは、主に彼自身のために「Lush Life」を書いていたようで、長年、それを個人的にのみ行っていました。 しかし、1948年に彼（ピアノ）とケイデイビスは、カーネギーホールでのデュークエリントンオーケストラのコンサートの1つで演奏しました。 それから1949年に曲は休憩を得てそれをジャズパンテオンに永久に入れました。 ナットキングコールは彼のバージョンをレコーディングしました（ストレイホーンが嫌うアレンジメント付き）。 それ以来、最近ではクィーン・ラティファを含むポピュラー音楽の著名な著名人によって録音されています。
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3.生きるための何か
1935年、音楽的に早熟なストレイホーンは、高校向けにファンタスティックリズムと呼ばれる完全な音楽評論を書きました。 それはスキット、踊っている女の子、小さなバンド、そして多くのストレイホーン自身の作曲を含んでいました。 当初は高校制作のみを目的としていたが、 ファンタスティックリズムは1936年から1939年の間にペンシルベニア州西部の黒い劇場で上演されるほど成功した。 このショーでは、ボーカリストのビリーエックスティンやピアニストのエロールガーナーなど、世界的に有名な将来のパフォーマーが紹介されました。
「Something To Live For」は、ビリーが 『 ファンタスティック・リズム 』のために書いた曲の1つであり、1938年のスタンリーシアターの即興オーディションでデュークエリントンのために演奏した曲の1つだと考えられています。 1939年、それはスレイホーンの最初の作曲としてエリントン・バンドによって録音された。 1965年、エラフィッツジェラルドが彼女のお気に入りの曲と呼んだため、彼女には他に類を見ない切手を付けました。
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4.マイリトルブラウンブック
ビリー・ストレイホーンがファンタスティック・リズムのために最初に書いたもう一つの曲は「マイ・リトル・ブラウン・ブック」でした。 バンドは最初に、1942年6月26日にロサンゼルスのRCAスタジオでハーブジェフリーズのボーカルを使って録音しました。 それがここに提示されたバージョンです。 また、1944年8月にアルヒブラーのボーカルでVディスク（252 B）用に録音されました。 しかし、最も有名な録音は、おそらく1962年9月26日にアルバムDuke Ellington＆John Coltraneのために作成されたものでしょう。
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5.花は素敵なもの
1940年、アメリカ作曲家、作家、出版社（ASCAP）は、メンバーの音楽を放送するためにラジオ局が支払う必要がある料金を2倍にしようとしました。 放送局はこれに抵抗し、1941年1月1日からASCAPメンバーによる音楽を放送しないことを決定しました。
1935年以来ASCAPメンバーであるデューク・エリントンにとって、彼の作曲のロックアウトは潜在的な災害でした。 エリントンのような大きなバンドにとって、ラジオ演奏は彼らの音楽をレコード購入者に公開するための重要な手段でした。 そのため、バンドはロサンゼルスのカサマニャーナに出演し、毎晩放送を行っているため、エリントンはASCAPの禁止対象にならない新しい素材を必死に放送する必要がありました。
ASCAPのメンバーではなかったため、エリントンは息子のマーサーとビリーストレイホーンに依頼して、バンドのためにまったく新しい本を制作しました。 昼と夜を書いていると、2人はエリントンの標準となる一連の曲を発表しました。これには、「Things Ai n't What Are Was Beever Being」、「Blue Serge」、「Moon Mist」by Mercer、およびStrayhornの「Chelsea Bridge、 「雨のチェック」、「パッションフラワー」、この曲「花は愛すべきもの」
ストレイホーンはジョニー・ホッジスの暖かいアルトサックスを強調するために「花は愛すべきもの」と書いた。 エリントンバンドは1941年の初めまでにライブ出演と放送中の両方で定期的に曲を演奏していましたが、ジョニーホッジスオールスターズによって最初に録音されたのは1946年まででした。
ストレイホーンは後に歌詞を追加し、1965年には比類のないエラフィッツジェラルドがここで発表されたボーカルバージョンを録音しました。
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6.チェルシーブリッジ
「チェルシーブリッジ」は、1941 ASCAPブロードキャストロックアウトの偶然の副産物の1つです。 彼の本の中で 
「エリントンよりもドビュッシー...印象派のミニチュアが作曲されたと、ストレイホーンはジェームズ・マクニール・ウィスラーの絵を念頭に置いて言った。 その日の従来の曲ベースのポップやジャズの番号とは異なり、「チェルシーブリッジ」は、メロディーとハーモニーが有機的な全体として統合されている点で「クラシック」です。
次の「チェルシーブリッジ」のパフォーマンスは、1941年12月2日にエリントンバンドによって録音され、テナーサックスではベンウェブスターによるソロ、バルブトロンボーンではファンティソル、ピアノではストレイホーン自身が演奏します。
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7.パッションフラワー
ジョニー・ホッジスはおそらく彼の時代の最高のアルトサックス奏者でした。 40年近くエリントンバンドの主力であったデュークは、「とても美しい音色で時々涙を流した」と彼は信じています。
1939年にバンドに加入した直後、ストレイホーンは特に1941年にこの曲を最初に録音したジョニーホッジスのために「パッションフラワー」を書きました。
以下に特集されたパフォーマンスは、1967年1月23日にデンマークのコペンハーゲンでテレビのために記録されました。
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8.レインチェック
「レインチェック」は、ASCAPラジオの停電中に放送可能な素材をバンドに提供するために1941年にストレイホーンが書いた曲の最後の例です。 ストレイホーンの最も有名な曲の多くはバラードですが、「レインチェック」は伝染性のあるアップテンポの運転リズムを持っています。 ストレイホーンによると、彼が書いたのはロサンゼルスの雨の日だったからといって、この作品の名前が付けられたそうです。
1941年12月に録音された「Raincheck」は、バルブトロンボーンにはファンチゾール、テナーサックスにはベンウェブスター、トランペットにはレイナンス、ピアノにはビリーストレイホーンをフィーチャーしています。
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9.血球数
1967年、ビリーストレイホーンは、カーネギーホールでのエリントンオーケストラの次のコンサートでの使用を目的とした「ブルークラウド」と呼ばれる作品に取り組んでいました。 しかし、その後、ストレイホーンは食道癌の治療のために入院しました。 入院中、彼は作品の開発を続け、現在は「Blood Count」に改名し、最終的に完成した原稿をエリントンに届けることができました。 それはビリー・ストレイホーンがこれまで書いた最後の作曲でした。 彼は1967年5月31日に癌で亡くなりました。
エリントン公爵がストレイホーンの死の知らせを受けたとき、彼はひれ伏しました。 彼は後に彼が泣き、頭を壁に打ちつけたと友達に言った。 誰かが彼が大丈夫かどうか尋ねたとき、エリントンは答えました、「いいえ、私は大丈夫ではありません！ 今は何も問題がありません。」
エリントンが悲しみから立ち直るにはしばらく時間がかかりましたが、ついに悲しみを表現するためのより生産的な方法を見つけました。 彼は自分の好きなStrayhorn作曲だけで構成されたトリビュートアルバムを録音することにしました。 そのアルバム、
彼が以前に何度も行ったように、ストレイホーンはアルトサックス奏者のジョニーホッジスを念頭に置いて「血のカウント」を書きました。 それ以来、この作品はスタンゲッツやジョーヘンダーソンなど多くの素晴らしいミュージシャンによって録音されていますが、多くの人がこのホッジス奏法を決定的なものと見なしています。
そして、彼の母親が彼のビルに電話したためにそれを録音した後、デューク・エリントンは「血のカウント」を二度と演奏しませんでした。
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10.蓮の花
デューク・エリントンは、「ロータス・ブロッサム」はビリー・ストレイホーンが彼の演奏を聞くのが最も好きだった曲だと言った。 したがって、彼がStrayhornへのオマージュのアルバムに彼のアルバムを含めたかったのはごく自然なことであり、 彼の母親は彼をBillと呼んだ 。 エリントンの「Lotus Blossom」の個人的で繊細なソロレンダリングは、これまでに記録された中で最高のものと一般に見なされています。
しかし、私の心に、より痛烈な2番目のエリントンレンディションがあります。 そして彼の母親が彼に電話したビルの録音セッションが終了した後、デュークはピアノに腰を下ろし、「ロータスブロッサム」を最後にもう一度演奏し始めました。 バンドは楽器を梱包してスタジオを去っていましたが、ハリーカーニーとアーロンベルはエリントンの様子を聞いており、彼の感情を共有しているようでした。 それで、カーニーは彼のバリトンサックスを持ち帰り、ベルは彼のベースを再び取り上げました、そして彼らの2人は彼らの友人であるストレイズへの最後のオマージュとしてデュークと合流しました。
幸いにも私たち全員にとって、録音テープはまだ稼働していました。ビリーストレイホーンのお気に入りの曲の1つが心を痛めるようなパフォーマンスであるなら、この美しさに恵まれています。
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