クラシック音楽とは？
人々が「クラシック音楽」と呼ぶものの多くが、実際にはそうではないことをご存知ですか？ 技術的に言えば、クラシック音楽は歴史の特定の時期の楽曲のみを指します。 これは一見細かい、アカデミックに見えるかもしれませんが、クラシック音楽の境界を知っていると、お気に入りのミュージックストアのクラシック音楽セクションを熟読するときに、好みの音楽を見つけやすくなります。 。
ここでは、一般的に人々がクラシック音楽と呼ぶものに該当する音楽のさまざまな期間の概要を示します。
魂のチャントミュージック今すぐ購入中世の音楽（400-1400 AD）
中世の音楽は本質的に宗教的であり、聖歌のようなものでした。 これの専門用語はモノフォニックで、文字通り「単音」です。 モノフォニック音楽はメロディーのみで構成され、伴奏はありません。
この時代の最も有名なタイプの音楽は、グレゴリオ聖歌で、教皇グレゴリー1世（590-604）にちなんで名付けられました。 グレゴリオ聖歌は瞑想的で非常にリラックスできます。
ルネサンス音楽（1400-1600 AD）
この間、2つ以上の音楽の声であるポリフォニーの人気が高まりました。 音楽は、伴奏のための特定の楽器のために、社交ダンスで貴族を楽しませるためにしばしば書かれました。 フルートとピッコロの初期の前駆体であるレコーダーと、モダンギターの祖先であるリュートは、その日の最も人気のある楽器の2つでした。
バロック音楽（そして時にはロココ）（1600-1750 AD）
「バロック」という言葉は、贅沢または複雑、特に装飾用です。 これはかつら、装飾用のコート、レースの時代でした。 当時の音楽はこれらの傾向を反映しています。
シンプルさは、複雑な調和テクスチャによって置き換えられました。 対置点、同時に演奏される2つまたは3つのメロディーの使用、および頻繁な倍音の変化が顕著になりました。 ポリフォニーは、「模倣ポリフォニー」として知られるものにさらに拡張されました。これは通常、オーケストラ内の各楽器によって順番にピックアップされてエコーされるメロディラインです。 ボーカルアレンジメントで使用される場合、これは「ラウンド」として知られています。 子供の歌「ロウ、ロウ、ロウ・ユア・ボート」はしばしばラウンドで歌われます。
ダンスは引き続き人気がありましたが、トッカータやフーガ、スイート、プレリュード、テーマ、バリエーションなどの新しい形式の音楽も目立つようになりました。
シーンの新しい楽器はキーボードでした。 この時代には、チェンバロ、クラビコード、オルガンなどの鍵盤楽器用に書かれた音楽がありました。 それらはすべて現代のピアノの祖先でした。 音楽はオーボエ、フルート、ファゴット、さまざまなホーンのためにも書かれました。 レコーダーは不利になり、バイオリン、ビオラ、チェロが人気になりました。
ロココ時代と呼ばれる、バロック時代の終わりと古典の始まりの間に移行期があります。 音楽の多くは素人と似ているので、これは主に学問の区別の問題です。
この時代から出現した主要な音楽形式は協奏曲でした。 コンチェルトは、ムーブメントと呼ばれる対照的なセクションで書かれ、通常はソリストをフィーチャーしていました。 おそらく、バロック時代の協奏曲の最も有名な例は、Antonio VivaldiのFour Seasonsでしょう。
クラシック時代（1750-1820 AD）
「大衆」がますます多くのパブリックコンサートや公演を行って音楽体験に参加し始めたのは、クラシック時代のことです。 一般大衆がコンサートにお金を払い始めたので、作曲家はそれが一般にアピールされている限り、彼らが望んだものの多くを自由に書くことができました。 彼らはもはや貴族が聞きたかったことを書く必要はありませんでした。
クラシック音楽の作曲の要はバランスでした。 バロック時代に支持された派手で過度に華やかなスタイルは、クラシック時代には支持されなくなった。 この新しいスタイルは、その日の作品のタイトルに反映されました。 作曲では、「四季」のような花のタイトルを使用しなくなりました。 代わりに、作曲には「ピアノ協奏曲第9番」のような事実に関するタイトルが多く含まれていました。
この時代の新しい音楽形式には、メヌエット、ロンド、交響曲、ソナタが含まれていました。 模倣的なポリフォニーは支持されなくなったものの、ハーモニーには引き続きポリフォニック要素が含まれています。 ハーモニーは主に伴奏付きの単一行メロディーであり、ケイデンス（音楽フレーズの終わりを知らせる特定の一連のコード）の使用が導入されました。
インストゥルメンテーションの主な革新は、「ソフトラウド」を意味するピアノフォルテの発明でした。 以前のバージョンのキーボード楽器は、圧力に敏感ではありませんでした。 たとえば、チェンバロによって生成されるサウンドは、「象牙をくすぐる」か、ジェリーリールイスのように象牙を上下にジャンプしても同じでした。
クラシック時代の作曲のスタイルも、以前の時代よりも、同じ動きの中に柔らかくて大きな音の通路を含む、よりダイナミックでした。
ロマンチックな時代（1820-1900 AD）
クラシック時代のバランスがとれ洗練された場所で、ロマンチックな時代は表現力豊かな作曲が特徴です。 詩は音楽に設定され、音楽のテーマは物語を伝えるために使用されました。
作品の適切な長さ、動きの数、インストゥルメンテーションに関する規約は、より表現力豊かで実験的な側面を優先して放棄されました。 これにより、エチュード、バリエーション、キャラクター作品などの新しいフォームが生まれました。
12音符のスケールである色彩調和、および減少、優勢、7分の7が広く使用されるようになりました。 豊かな質感とフルコードも好評でした。 リズムはより複雑になり、シンコペーションを使用しました。 メロディーは歌のようで、より表現力があり、多くの場合、さまざまなフレーズの長さ、よりダイナミックなボリュームとテンポを使用していました。
ピアノは重要性を増し、夜想曲、即興曲、エチュードなど、この時代の作曲の多くの主題でした。
20世紀のクラシック音楽（1900-）
20世紀には、音楽形式の厳しい規則の緩和が続きました。 多くの場合、20世紀のクラシック音楽の唯一の制限は作曲家自身の想像力でした。
作曲家は、構造と内容が偶然に残されているフォームを実験しました。 そのような構成の1つは、作品のパフォーマンスを聞くために集まった聴衆の音だけであり、彼らがパフォーマーであり、彼らが咳やシャッフルなどであることを認識するだけです。「音楽」です。
20世紀の音楽の調和は、不協和音の増加と、半音階、ペンタトニックスケール、モーダルスケールの使用によって特徴付けられます。
計装は進化を続けています。 ピアノは今でも使用されていますが、シンセサイザーや電子キーボードも使用されています。
20世紀以降の音楽は、多くの場合、ポリリズミカル（複数のリズム）であり、強い不協和音と漠然としたメロディーを持っています。 このタイプの音楽は無調で予測できない傾向があります。
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